Apologia del Vuoto
Viviamo nel mondo del full. Full optional, full time, fully booked. Ma è davvero una conquista o piuttosto una sottile condanna? Nell’ossessione collettiva di saturare ogni centimetro, fisico o mentale che sia, abbiamo dimenticato cosa significhi lasciare spazio. Eppure, il vuoto non è un errore di progettazione: è una scelta consapevole.
In architettura, il vuoto è quella pausa che permette allo sguardo di muoversi, al corpo di respirare, alla mente di pensare. Fuori dall’architettura, il vuoto è la condizione di possibilità di ogni cosa: pensiamo anche alla musica, dove senza pause e silenzi non avremmo melodie ma solo cacofonie indistinte.
E sì, lo sappiamo: questo non è il classico articolo da leggere velocemente tra un meeting e l’altro. È piuttosto un invito: nei prossimi paragrafi, cammineremo insieme in questo spazio indefinito con quattro suggestioni diverse, dall’arte alla filosofia, dalla musica al senso di cura, per scoprire che il vuoto, forse, è più pieno di quanto immaginiamo. Come dice Isabella Ducoli, Head of Design Altis: “In architettura, il vuoto non è assenza: è possibilità. È l’unico spazio che non devi riempire per forza, ma che ti chiede di essere attraversato.”
1. Rachel Whiteread: la scultrice dell’invisibile
Rachel Whiteread, artista britannica, ha trasformato letteralmente il vuoto in materia. Le sue opere sono calchi del vuoto: riempie di resina o cemento gli spazi che normalmente restano invisibili come l’interno di una casa, di una vasca da bagno, di una libreria, restituendoci il negativo come scultura. Come a dirci che il vuoto è un pieno capovolto. Un pieno che parla di chi c’era, di cosa conteneva, di vite intere che si sono mosse dentro quei volumi. Perché, senza vuoto, nessuno spazio sarebbe davvero abitabile: non potremmo attraversarlo, viverlo, agirlo.
2. Gordon Matta-Clark: tagliare per vedere
Poi c’è Gordon Matta-Clark, architetto e artista americano degli anni Settanta, famoso per i suoi tagli radicali negli edifici abbandonati. Ne bucava le pareti per rivelarne l’interno, creando enormi ferite architettoniche che diventavano nuovi spazi di luce e di esperienza. Per Matta-Clark, il vuoto era un gesto politico: rivelava cosa c’era dentro, metteva a nudo l’essenza delle cose, e di noi stessi. A questo proposito, Isabella Ducoli commenta:“Il vuoto è un campo attivo. È ciò che succede quando togli il superfluo e lasci solo lo spazio per ciò che conta.”
3. John Cage: il suono del silenzio
Ma non bisogna per forza sporcarsi le mani di calcestruzzo o impugnare una sega circolare per capire il vuoto. John Cage, compositore americano, ci ha insegnato che anche il silenzio è pieno di suono. Nel 1952 compose 4’33”, un brano in cui l’esecutore non suona alcuna nota. Sono quattro minuti e trentatré secondi di apparente silenzio in cui, in realtà, si ascolta tutto: i colpi di tosse, le sedie che scricchiolano, la pioggia sul tetto, il respiro di chi è in sala. Cage ci ricorda che il vuoto è sempre pieno di qualcosa: basta saperlo ascoltare.
4. La prospettiva Altis: il vuoto come cura
Se tutto intorno a noi è ipersaturo, il vuoto si presenta come un gesto radicale di cura. Vuoto come digital detox, come spazio mentale, come atto progettuale che rinuncia al superfluo per lasciare ciò che conta davvero: aria, luce, respiro. È la piazza tra i palazzi, che non è solo un interstizio urbano ma un luogo di incontro e socialità. È la radura nel bosco sacro, che nelle tradizioni scintoiste giapponesi diventa cornice per il divino, spazio sacro proprio perché vuoto. È il giardino Zen, che non offre nulla di superfluo se non la sua stessa essenzialità, e proprio per questo diventa metafora di contemplazione e meditazione.
Parlare di vuoto come cura significa riconoscere che non abbiamo bisogno di riempire ogni spazio per farlo esistere. Anzi, il vuoto è la riserva di possibilità, il campo di tutte le trasformazioni potenziali. E soprattutto, come ci racconta Isabella: “Il vuoto è l’ultimo lusso rimasto: uno spazio che non devi giustificare, che esiste per farti esistere meglio.”
Sedie: anatomia semiseria di una scelta progettuale
Le sedie sono uno strano specchio. Ci sostiamo sopra per ore, ci appoggiamo, ci aggrappiamo. Eppure, se le osserviamo con attenzione, raccontano più di quanto crediamo. Svelano il nostro modo di occupare lo spazio, di lavorare, di pensare. Bruno Munari diceva che “progettare una sedia significa progettare il corpo che la userà”. Non era solo un’affermazione sul design industriale, ma un invito a capire che ogni sedia plasma chi la occupa: impone posture, suggerisce durate, stabilisce distanze e intimità.
Secondo noi, ogni gesto è progettazione, anche scegliere su cosa sedersi, e osservare le sedie significa leggere la nostra stessa postura culturale. Per questo abbiamo creato una piccola mappa semiseria (ma metodica) che attraversa storia del design e psicologia dell’abitare.
1. La sedia “visite brevi o brevissime” di Bruno Munari
Munari la progettò nel 1945 come provocazione concettuale. Una seduta in ferro inclinata in avanti, dalla postura sospettosa e leggermente scomoda, per “visite brevi o brevissime”: l’ospite si siede, ma non si rilassa ed anzi scivola: va da sé che non si dilunga. Un oggetto di design è anche dichiarazione psicologica e di critica sociale. È la sedia di chi lavora con efficienza chirurgica, un minuto in più sarebbe una sessione di psicologia applicata. Se potesse parlare, direbbe: “L’uscita è per di qua.”
2. La Panton Chair di Verner Panton
Progettata nel 1960 ma prodotta in serie solo nel 1967, è la prima sedia in plastica stampata in un unico pezzo. Icona pop del design danese anni Sessanta, unisce forma scultorea e funzione, con la sua silhouette a S che rivoluzionò l’estetica delle sedute. È la sedia dalla postura flessuosa di chi si adatta a ogni cambiamento, ma sempre con stile. È esposta al MoMA di New York come capolavoro di design organico e industriale. Se potesse parlare, direbbe: “Mi piego, ma non mi spezzo.”
3. La Eames Lounge Chair di Charles e Ray Eames
Disegnata nel 1956, è la poltrona lounge più iconica al mondo. Legno curvato, pelle nera, postura rilassata ma con un’innata superiorità. Nata per offrire “il calore e il comfort di un guanto da baseball ben consumato”, oggi è il trono di chi possiede almeno tre volumi di teoria critica e sa citare Rem Koolhaas a memoria, sempre con un gin tonic a portata di mano. Se potesse parlare direbbe: “Sto lavorando anche quando sembro in pausa.”
4. La Aeron Chair di Herman Miller
Progettata da Don Chadwick e Bill Stumpf nel 1994, la Aeron Chair è la regina dell’ergonomia contemporanea. Realizzata in rete traspirante, senza imbottitura superflua, offre regolazioni infinite ed è diventata simbolo dello smart working globale e dell’estetica tech office. Se potesse parlare, direbbe: “La mia schiena, prima di tutto.”
Perché anche la sedia parla
Ogni sedia è un manifesto personale: di potere, di comfort, di stile. Osservarla con metodo, come facciamo con gli spazi di lavoro, significa capire chi siamo e chi vogliamo essere. In fondo, è questo il significato del progettare: interpretare i dettagli per creare ambienti che ci rispecchino davvero. Ed è qui che entra in gioco il metodo Altis: analizzare ogni scelta, anche quella apparentemente più banale, per trasformarla in un gesto consapevole e coerente con il modo in cui abitiamo.
Lavoriamo per le emozioni. Ma loro lavorano per noi?
Le emozioni sono ovunque. Nei gesti involontari, nel tono di un’email, negli sguardi durante le riunioni. Eppure, quando si parla di lavoro, restano confinate alla sfera delle soft skill. Empatia, intelligenza emotiva, gestione dello stress. Belle parole, troppo spesso ridotte a postille su un elenco di perfomance individuale.
Ma se fossimo davanti a un cambio di tendenza, se il modo in cui sentiamo fosse parte integrante del modo in cui lavoriamo? Questa domanda non nasce dalla filosofia, ma dalla psicologia cognitiva, dalle neuroscienze, dall’antropologia organizzativa. Che ci dicono, con chiarezza, che emozione e cognizione sono la stessa cosa: senza la prima, non esiste nemmeno la seconda.
Emotional Based Working
Da Altis la chiamiamo EBW: Emotional Based Working. Non è un modello già impacchettato, ma un campo di esplorazione che stiamo mappando attraverso la nostra Ricerca Proprietaria. Nasce dall’evidenza che nessuno spazio, processo o cultura aziendale possa funzionare davvero se non considera la dimensione emotiva come risorsa strategica.
Il contrario di ABW? No, il suo completamento. Se l’Activity Based Working organizza spazi e tempi intorno a cosa facciamo, l’Emotional Based Working li organizza intorno a come ci sentiamo. Insieme, raccontano il lavoro per come è davvero: un sistema complesso di attività, relazioni, stati emotivi, posture fisiche e narrative culturali.
Perché le emozioni contano davvero
Le emozioni sono ciò che ci permette di prendere decisioni rapide, di valutare rischi, di creare connessioni, di progettare con senso. Il neuroscienziato Antonio Damasio l’ha scritto decenni fa: “We are not thinking machines that feel, we are feeling machines that think.”
Progettare per le emozioni significa pensare ambienti belli, funzionali, ma soprattutto capaci di attivare stati emotivi coerenti con i processi che supportano. Significa riconoscere che un certo tipo di luce, temperatura, rumore, disposizione spaziale, può innescare irritazione o creatività, stanchezza o concentrazione.
Dall’attività all’emozione: la prossima frontiera
Nella nostra ultima esplorazione editoriale ci siamo chiesti: l’ABW è ancora il modello migliore? La risposta è emersa chiara: pensiamo che non basti. Da solo, non è sufficiente a leggere la complessità del lavoro contemporaneo. Per farlo, serve un passo in avanti: perché non sono solo le attività a definire il lavoro, ma anche le emozioni che le muovono, le sostengono, le trasformano. Ecco la materia prima del lavoro umano.
